Новый креативный директор Jil Sander Симоне Беллотти о наследии бренда и философии «тихого роскоши»

Simone Bellotti von Jil Sander verrät, wie er das Erbe der Marke in die Zukunft tragen wird. Mit einem frischen und zugleich provokanten Blick auf das, was die deutsche Designerin seit 1968 erschaffen hat. Das Erste, was Simone Bellotti beim Treffen im Juni in Mailand präsentiert, ist der Balkon – sein Lieblingsort in den Büroräumen des Jil-Sander-Headquarters in der Via Luca Beltrami 5. Von hier blickt der Designer auf die Piazza und das Castello Sforzesco, eine aus dem 15. Jahrhundert stammende Burg. Bellottis Büro ist kleiner und weniger weiß, als man es vielleicht erwarten würde. In Wirklichkeit besetzt der Kreativdirektor einen der kleinsten Räume im zweiten Stock des historischen Gebäudes, in dem bereits Jil Sander arbeitete und ihre Kollektionen präsentierte. Die Gestaltung des Raums entspricht Bellottis Wesen: Er wirkt zurückhaltend und bescheiden. In einer Welt, in der Algorithmen darüber entscheiden, was angesagt ist, und die Lautesten die meiste Aufmerksamkeit erhalten, wirken diese Tugenden beinahe altmodisch – und verleihen ihm gerade deshalb so viel Charme. Die Frage, wie es sich anfühlt, das Erbe einer noch lebenden Designerin anzutreten, beantwortet Bellotti mit Bedacht. Es sei eine Herausforderung gewesen, die er aber geschätzt habe, sagt er. Doch wie verleiht man einer Marke ein neues Gesicht, ohne das Vorhandene zu verlieren? Simone Bellotti tritt bei Jil Sander kein einfaches Erbe an Gerade im Fall von Jil Sander aber handelt es sich um eine Aufgabe, an der schon einige Designer:innen vor ihm gescheitert sind. Wer erinnert sich noch an Milan Vukmirovic, der von 2000 bis 2003 Kreativdirektor des Hauses war? Auch Raf Simons war kein langes Glück beschieden: Als er 2005 die Nachfolge der zwischenzeitlich zurückgekehrten Jil Sander antrat, wurde er zunächst als revolutionärer „Modernist des Minimalismus“ gefeiert. „Er ist der Einzige, der neue Formen vorschlägt“, kommentierte Emmanuelle Alt, damalige Chefredakteurin der Vogue France. Simons wurde 2012 nach sieben Jahren als Kreativdirektor bei Jil Sander entlassen oder wie Bridget Foley in der Women’s Wear Daily schrieb: „Ohne großes Aufsehen hinauskomplimentiert.“ Simone Bellotti, geboren 1978, aufgewachsen in Giussano in der Lombardei, kommuniziert seine kreative Vision für das Unternehmen Jil Sander, das seit 2021 zur von Renzo Rosso geführten Modegruppe Only The Brave (OTB) gehört, auf subtile Weise. Noch vor seiner ersten Kollektion veröffentlichte er mit „Wanderlust“ ein Video, in dem junge Menschen durch das sommerliche Hamburg streifen – seine Hommage an die Anfänge der Marke in der Stadt, in der Heidemarie Jiline Sander 1968 ihre erste Boutique eröffnet hatte. Dem zeitgenössischen Hang zu kurzlebigen Hype-Zyklen und sofortiger Bedürfnisbefriedigung setzt Bellotti die Wiederentdeckung der Langsamkeit entgegen. Die Musik zum „Wanderlust“-Video stammte von dem italienischen Musiker Bochum Welt und erschien auf Vinyl – Bellotti liebt analoge Hi-Fi-Technik. Anläss-lich der diesjährigen Designwoche in Mailand präsentierte er unter dem Titel „Reference Library“ zusammen mit dem Magazin Apartamento eine Installation aus 60 Büchern, ausgewählt von Kreativen wie dem Möbeldesigner Jasper Morrison, der Musikerin Lykke Li und dem Kurator Hans Ulrich Obrist. Eine leise Rebellion gegen das unaufhörliche Scrollen. Bellottis Gegenentwurf bietet Ruhe und Klarheit. Und diejenigen, die das für ein wenig langweilig halten, überrascht er mit Witz und Ironie. Bellotti revolutioniert Jil Sander nicht, sondern erneuert die Marke auf subversive Weise Bellotti erlaubt sich immer wieder kleine Stilbrüche: ein vermeintlich zu schmales Revers am Sakko, eine nach oben gerutschte Taille an einer Hose, ein Schlitz am Rock, der gerade so viel Einblick gewährt, dass er nicht vulgär wirkt, eine ungewöhnlich platzierte Stoffbahn am Rücken eines Mantels, ein Schulterpolster am falschen Ort, ein Twist hier und da. Wie einst Martin Margiela spielt er mit Körper und Stoff, mit Ironie und Irritation – immer so, dass es für einen kurzen Moment befremdet, ohne die Tragbarkeit oder Ästhetik seiner Entwürfe zu beeinträchtigen. Im Interview verrät Simone Bellotti, was er noch alles mit Jil Sander vorhat GQ: Unter Ihrer Leitung kehrte Jil Sander erstmals seit 2017 wieder ins Mailänder Hauptquartier zurück. Warum? Simone Bellotti: Es ist ein wunderschöner Ort, der das Erbe dieser Marke in sich trägt. Für mich sollte dieses Gebäude der Ausgangspunkt meiner Reise mit Jil Sander werden. Ich erinnere mich noch gut an meinen ersten Tag: Ich sollte vor dem gesamten Team sprechen, wusste aber nicht, was ich sagen sollte. Also blickte ich aus dem Fenster meines Büros und sah das Zusammenspiel dieser modernen Räume und dem Castello gegenüber. Für mich war das sinnbildlich für Jil Sander – Modernität und Leichtigkeit auf der einen, Klassik und Strenge auf der anderen Seite. Die Räume, in denen wir uns heute befinden, wurden 1994 von demselben Architekturbüro als Showroom entworfen, mit dem Frau Sander auch einige ihrer Stores realisiert hat. Einen davon gibt es bis heute in Mailand. Minimalismus und Klarheit waren hier keine Ausrede zum Sparen, sondern wurden in echter Qualität umgesetzt. Das spürt man. Sie haben die Sneaker-Kollaboration von Jil Sander mit Puma zurückgebracht. Als der Fußball -Schnürschuh „Puma King Avanti“ im Jahr 1998 herauskam, war er die erste Zusammenarbeit eines Luxushauses mit einer Sportmarke. Sie gilt bis heute als wegweisend. Ja, ich erinnere mich noch gut daran (lacht). Als sie damals auf den Markt kamen, konnte ich sie mir nicht leisten. Was ist für Sie das Besondere an der Geschichte der Marke? Das Interessante ist, dass man von ihr oft nur den prägendsten Teil ihrer Geschichte kennt: die 1990er. Dabei wurde das Haus bereits 1968 in Hamburg gegründet und hat seither viele Entwicklungsphasen durchlaufen. Blickt man zum Beispiel in die Kataloge aus den 1980er-Jahren, wird sofort klar, wie anders die Entwürfe damals waren. Und doch spürt man schon dort den qualitativen Anspruch. Die ästhetischen Codes – diese Klarheit, die wir heute mit Jil Sander verbinden – sind über einen langen Zeitraum gewachsen. Erst in den 1990ern wurden sie zu dem, woran wir uns heute erinnern, nicht zuletzt durch die ikonischen Kampagnen, die bis heute nachwirken. Die Entwicklung einer Marke lässt sich für mich mit der eines Menschen vergleichen: Man lernt erst mit der Zeit, wer man ist. Je älter man wird, desto besser versteht man die Welt. Und doch wissen wir nie ganz genau, wo wir am Ende ankommen werden. Widersprüche, Fehler und Veränderungen – genau das macht das Leben interessant. Die Marke ist stark mit der Person Jil Sander verbunden. Wie gelingt es Ihnen, die Codes zu respektieren, ohne sich selbst dabei zu verlieren? Ja, das ist eine Herausforderung, aber eine, die ich sehr mag. Zum Glück arbeite ich mit Menschen zusammen, die seit vielen, vielen Jahren hier sind. Die Kollektionen basieren nicht einfach auf der Reproduktion von Archivstücken. Für mich besteht meine Arbeit hier darin, an die Codes und die Geschichte der Marke zu erinnern, sie zu respektieren – und gleichzeitig etwas hinzuzufügen, das aus diesem Rahmen ausbricht und Neues wagt. Was ich an diesem Job – und an Mode im Allgemeinen – liebe, ist, dass sie für mich ein Ausdrucksmittel ist. Es geht darum, meine Ideen in etwas Greifbares zu verwandeln: in ein Produkt. Manchmal entsteht daraus etwas sehr Persönliches, wie etwa ein Kleid in meiner ersten Kollektion, das an eine Matratze erinnert. Das war für mich ein emotionales Element, da mein Vater Polsterer war. Musik und Mode besitzen eine unmittelbare Kraft Sie haben mir bei unserem letzten Gespräch erzählt, dass Sie ein großer Hi-Fi-Liebhaber sind. Wie hängen Musik und Mode für Sie zusammen? Musik zu hören, ist heute wieder zu einem Erlebnis geworden. Es gibt zahlreiche Listening Partys, bei denen Menschen zusammen-kommen, um Musik bewusst zu erleben. Auf den ersten Blick wirkt das fast seltsam, denn Musik zu hören, ist eigentlich etwas ganz Normales. Aber wir leben in einer Zeit, in der selbst das Normale außergewöhnlich geworden ist. Vielleicht müssen wir ein Stück weit zu dem zurückfinden, was wir wirklich brauchen. Ich selbst höre zu Hause ständig Musik. Sie hilft mir etwa dabei, Probleme für einen Moment zu vergessen. Diese Kraft fasziniert mich. Musik ist ein so starkes Ausdrucksmittel, weil sie keine Erklärung braucht. Sie löst sofort Emotionen aus. Man muss Mozart nicht erklären – selbst wer ihn noch nie gehört hat, spürt sofort die Stimmung eines seiner Stücke. Und genau diese Unmittelbarkeit suche ich auch in der Mode. Helmut Lang ist dafür ein gutes Beispiel: Seine Entwürfe waren so stark, dass sie für sich selbst sprachen. Diese Unmittelbarkeit scheint mir allerdings nur schwer zu erreichen. Läuft man als Designer:in nicht Gefahr, Kleidung zu sehr zu intellektualisieren? Heute erwartet man in der Mode fast immer Geschichten, und ich erzähle in meiner Arbeit auch gern welche. Aber es wäre fantastisch, irgendwann an einen Punkt zu gelangen, an dem meine Arbeit für sich selbst spricht. Aber ich bin noch am Anfang meiner Karriere, also ist es dafür wohl noch zu früh. Es wäre schön, irgendwann dahin zu kommen. Jil Sander steht für mehr als nur Minimalismus Jil Sander wird heute oft auf den Minimalismus reduziert. Doch genau das ist kein Unterscheidungsmerkmal mehr. Im digitalen Raum ist es schwieriger denn je, gesehen und verstanden zu werden, wenn nur die Ästhetik und nicht die Technik und Qualität beurteilt werden – also genau das, was Jil Sander auszeichnet. Das ist in der Tat ein Problem. Wir leben in einer Zeit, in der wir nach Dopamin und sofortiger Bedürfnisbefriedigung suchen. Wir schauen aufs Handy und urteilen in Sekunden, ob etwas gut ist oder schlecht. Alles wird zu einem Statement, während die Kollektionen oft nur oberflächlich wahrgenommen werden. Dann heißt es schnell: „Das sieht nach nichts aus.“ Natürlich gibt es Kollektionen, die auf dem Bildschirm sehr klar lesbar sind. Aber es gibt auch andere Stücke. Auf dem Foto mag ein weißer Rock aus unserer aktuellen Kollektion einfach wirken, tatsächlich steckt dahinter jedoch eine Konstruktion. Inspiriert ist sie von der Motorhaube einer Autoskulptur des Künstlers Richard Prince, mit diesen industriellen Winkeln und Formen, die man auf den ersten Blick nicht wahrnimmt. Deshalb reicht diese Ästhetik allein nicht aus. Man muss ihr neue Bedeutungen geben. Genau darin sehe ich meine Aufgabe: Ich möchte diese Marke mit meiner eigenen Erfahrung und Sensibilität neu interpretieren. Wie könnte das aussehen? Es gibt noch viele Facetten zu entdecken. Sicher sind Qualität, Klassik und Tailoring bis heute von großer Bedeutung und haben diese Marke geprägt. Ihre Klarheit wurde jedoch allzu oft mit Einfachheit verwechselt. In Interviews hat Frau Sander selbst gesagt, dass sie sich nie ganz mit dem Etikett der Minimalistin identifizieren konnte. Vor ein paar Jahren habe ich etwas sehr Persönliches über sie erfahren: Frau Sander, die „Königin des Minimalismus“, lebte in einem von Renzo Mongiardino eingerichteten Haus. Mongiardino war Innenarchitekt und Bühnenbildner, sein Stil war alles andere als minimalistisch, sondern eher hyperdekorativ. Genau solche Widersprüche finde ich spannend Wo wir über Einfachheit, Minimalismus und Klarheit sprechen: Wie stehen Sie zu dem etwas überstrapazierten Begriff „Quiet Luxury“? Quiet Luxury ist ein Marketingkonzept, das den Anschein von Understatement verkaufen soll. Man will Ihnen verkaufen, dass Sie viel bezahlen, trotzdem nicht protzen – und sich dadurch zurückhaltend fühlen können. Das mag ich nicht. Understatement ist eine Haltung. Etwas, das man nicht lernt. Etwas, das nichts mit Status zu tun hat, sondern was man in sich trägt. Sie suchen in Ihren Kollektionen und Projekten immer wieder den Bezug zu Jil Sanders Heimatstadt Hamburg. Warum? Ich mag Hamburg wegen seiner Dualität: Die Stadt hat etwas Verruchtes, gleichzeitig aber auch etwas Elegant-Bürgerliches. Die Fotografien, die der Schwede Anders Petersen Ende der 1960er im „Café Lehmitz“ gemacht hat, haben mich sehr inspiriert. Diese Bilder aus der Stehbierhalle auf der Reeperbahn sind so stark. Diese unheimlich kraftvollen Gestalten und ihre Bewegungen zeigen eindrucksvoll die Spannung zwischen Dreck und Glamour. Genau das wollte ich auch in meiner Kollektion aufgreifen: einen Hauch von Realität, sogar etwas Schmutziges. Denn Perfektion gibt es nicht. Sie ist eine Vorstellung, aber die Realität ist nie vollkommen. Sobald man denkt, etwas sei perfekt, passiert immer etwas, das einen daran erinnert, dass dem nicht so ist. Genau deshalb macht es Spaß, gelegentlich Elemente einzubauen, die die Linearität einer Kollektion durchbrechen. Während man bei französischer, italienischer oder auch belgischer Mode meist sofort eine klare Vorstellung im Kopf hat, ist deutsche Mode im internationalen Vergleich oft schwer zu fassen. Woran liegt das Ihrer Meinung nach? In Italien, Frankreich oder auch Belgien, wo ich gelebt habe und meine Arbeit in diesem Beruf begonnen habe, gab es ein System, das Designer:innen den Raum gab, eine eigene Ästhetik zu entwickeln. Besonders in Belgien, das ich sehr liebe, hatten viele Designer:innen denselben Antrieb: Sie wollten sichtbar werden und ihre eigene Stimme im Modesystem etablieren. Wenn deutsche Mode heute als weniger klar definiert wahrgenommen wird, liegt das vielleicht daran, dass es dort nie eine solche koordinierte Struktur gab, in der Designer:innen und Industrie gemeinsam an einem System gearbeitet haben. Warum ein Independent Designer zu Bellottis Vorbild wurde Sie haben für große Häuser wie Gucci und Ferré gearbeitet, aber auch für unabhängige Designer:innen wie Carol Christian Poell. Poell ist unglaublich – ein Genie und einer meiner absoluten Lieblingsdesigner. Nach meiner Zeit bei A. F. Vandevorst in Antwerpen habe ich ein Praktikum bei ihm gemacht. Was ich dort gesehen habe, werde ich nie vergessen. In meinem Social-Media-Feed tauchen immer wieder Beiträge zu seiner letzten Präsentation auf: der S/S-2004-Runway-Show „Mainstream – Downstream“, bei der die Models in einem Fluss in Mailand schwammen. Die Branche befand sich damals im Umbruch, unter anderem durch die großen Konzerne, die begannen, viele Marken zu kaufen. Poell war ein radikaler, unabhängiger Designer und hat vermutlich sehr früh gespürt, wohin sich alles entwickeln würde. Genau das macht seine Arbeit bis heute aktuell. Für seine Frühjahr/Sommerkollektion 2004 ließ Carol Christian Poell Models und Kleidung auf dem Naviglio-Kanal in Mailand treiben – eine Metapher ganz im Stil des Designers, der die Eindimensionalität der heutigen Modeindustrie satirisch kommentiert. Der Menswear-Designer, der nach wie vor unabhängig von großen Konzernen arbeitet, setzte damit ein Zeichen gegen das Establishment der Branche. „In der Modewelt fließt heute alles in dieselbe Richtung wie ein Fluss“, erklärte Poell damals. „Als ich merkte, dass ich mitgerissen worden war, war es fast zu spät – aber ich habe mich von den Trends abgewandt. Ich wollte mein Krisengefühl gegenüber diesem Zynismus ausdrücken.“ Was haben Sie von ihm gelernt? Ich lerne noch immer. Von Anfang an hatte ich die Chance, mit großartigen Talenten zusammenzuarbeiten: den Mitarbeitenden bei A. F. Vandevorst und Gianfranco Ferré, bei Dolce & Gabbana, Bottega Veneta und schließlich Gucci, wo ich 16 Jahre lang war – erst unter Frida Giannini und später unter Alessandro Michele. Dann wurde ich völlig unerwartet Kreativdirektor von Bally. Damals konnte ich einfach das machen, was mir gefiel. Ich war naiv. Heute spüre ich den Erwartungsdruck. Ich glaube, wir sind das Ergebnis unserer Lebenserfahrungen – und wer ich heute als Designer bin, ist wohl die Summe all dessen. Auch wenn ich meist für etablierte Marken gearbeitet habe, inspiriert mich Poell bis heute. Die Realität der Branche ist voller Kompromisse. Poell hingegen hat nie welche gemacht. Die Konsequenz seiner Vision bewundere ich sehr, gerade weil sie nicht für jeden gedacht ist. Und so radikal seine Silhouetten, Konstruktionen und Techniken auch waren, am Ende stand immer ein großartiges Produkt. Er gehörte zu den Ersten, die fertige Kleidungsstücke und Schuhe färbten. Das werde ich nie vergessen. Was Mode im Jahr 2026 noch spannend macht In Ihrer Herbst/Winterkollektion 2026 haben Sie sich mit der Frage beschäftigt, ob etwas Überflüssiges auch unverzichtbar sein kann. Ja, aber auf subtile Art. Ich stelle mir immer wieder Fragen, die ich dann in meinen Entwürfen beantworte. In meiner aktuellen Frühjahr/Sommerkollektion beispielsweise die, ob man etwas reduzieren und ihm trotzdem eine persönliche Handschrift verleihen kann. Durch Schnitte und Öffnungen habe ich Material weggelassen und Raum geschaffen, um den Körper hervorzuheben. In der Herbst/Winterkollektion habe ich dann das Gegenteil untersucht und etwas hinzugefügt, das vor allem einen visuellen und weniger einen praktischen Zweck erfüllt – wie zusätzlichen, eigentlich unnötigen Stoff bei einem Mantel. Manchmal brauchen wir im Leben genau das: etwas, das nicht effizient ist, uns aber berührt. Designer:innen wie Martin Margiela, Rei Kawakubo mit Comme des Garçons oder Yohji Yamamoto haben schon immer mit einer Idee von Subversion gearbeitet. Das begeistert mich auch bei meiner eigenen Arbeit. Ich verstehe Jil Sander als klassisch mit einem modernen Twist: etwas zu tiefe Schultern, ein schmales Revers, zu enge oder zu lange Ärmel. Ich mag solche Fehlproportionen. Die Frage ist, wie man etwas Ausgearbeitetes schafft, das nicht zu kompliziert ist und wie eine instinktive Geste wirkt. Nach Jahren, in denen Streetwear und komfortable Mode die Straßen beherrschten, ist nun Tailoring zurück. Warum ist die traditionelle Schneiderkunst Ihrer Meinung nach wieder so relevant? Für mich ist Tailoring wie eine Leinwand, auf der man zeichnen kann. Es steht für Qualität, lässt sich individuell anpassen und ist seit jeher fester Bestandteil unserer Gesellschaft. Ich liebe die Schneiderkunst und habe mir bei einem neapolitanischen Schneider Anzüge anfertigen lassen. Das Faszinierende am Tailoring ist, dass bereits zwei Zentimeter mehr oder weniger in der Taille die gesamte Silhouette verändern können. Es geht um feine Verschiebungen – und die Marke Jil Sander lebt genau von dieser Art ständiger Weiterentwicklung. So ist das Revers beispielsweise etwas kleiner und höher als üblich. Die beiden Anzüge der Kollektion sind sehr unterschiedlich konstruiert, was allerdings erst auf den zweiten Blick erkennbar ist. Der eine hat eine längere Silhouette. Beim anderen Sakko ist der Stoff am Rücken gedreht, wodurch es leicht unausgewogen wirkt. Ich mag es, bei etwas scheinbar Offensichtlichem mit solchen Überraschungen zu spielen. Apropos offensichtlich: Manche sagen, Jil Sander könne nicht sexy sein. Was denken Sie? Ja, es gibt solche Leute. Das ist jedoch eine sehr persönliche Einschätzung und keine Tatsache. Nur weil ich etwas als sexy empfinde, heißt das noch lange nicht, dass es Ihnen genauso geht. Jede:r reagiert und empfindet anders. Auch über mich selbst entdecke ich immer wieder Neues. Gerade jetzt, wo Sie mir Fragen stellen und ich darüber nachdenke, ist das ein schönes Gedankenspiel. Für mich ist vor allem wichtig, wie eine Person etwas trägt. Es ist interessant, dass sich meine Wirkung verändert, je nachdem, was und wie ich etwas trage. Ein Kleidungsstück wie ein Anzug kann mir ein anderes Gefühl und eine andere Haltung verleihen. Vielleicht wirke ich dann intellektuell oder sexy. Kleidung ist wie eine Oberfläche, die mit der Außenwelt in Interaktion tritt und unsere Gefühle auf unterschiedliche Weise beeinflussen kann. Es geht auch nicht immer darum, unter dem Sakko ein bis zum Bauchnabel geöffnetes Hemd zu tragen. Vielleicht machen abgetragene Cowboystiefel zum Anzug einen Look sexy? Oh ja. Die Stiefel, auf die Sie anspielen, sind nach dem Vorbild meiner eigenen Stiefel entstanden. Ich hatte sie Ende der 1990er-Jahre gekauft, als ich bei Gianfranco Ferré arbeitete. Ich habe sie so oft getragen, dass sie irgendwann ziemlich schmutzig und etwas abgenutzt aussahen. Die Kund:innen waren begeistert von ihnen. Das hat mich selbst überrascht, denn ich hatte eigentlich erwartet, dass sie sich über diesen Zustand beschweren würden. Stattdessen fanden sie sie großartig (lacht). Vielleicht bin ich selbst manchmal etwas zu konservativ. Manuela Hainz ist Style Director bei GQ.