Габриэль Фигейредо: единственный французский финалист престижного Prix LVMH 2026

12 12 Qui est Gabriel Figueiredo, le seul créateur français en lice pour le Prix LVMH 2026 ? Fondateur du label De Pino, Gabriel Figueiredo imagine depuis 2020 un vestiaire où se rencontrent l’exigence de la couture, l’expérimentation et une certaine idée du jeu. Formé à La Cambre à Bruxelles, passé par Maison Margiela Artisanal avant de rejoindre le studio femme de Dior (où il travaille le cuir), le créateur est aujourd’hui le seul français à figurer parmi les finalistes du Prix LVMH 2026. Pour Numéro, il revient sur son parcours, son apprentissage auprès de John Galliano et Glenn Martens, sa passion pour les savoir-faire d’exception et sa vision d’une mode à la fois sophistiquée, libre et profondément instinctive. propos recueillis par Nathan Merchadier. Le mythe de la Parisienne réinventé par De Pino Sous l’imposante verrière de la Samaritaine, dans le 1er arrondissement de Paris, un jeune homme aux traits fins d’une vingtaine d’années défend avec calme la dernière collection de sa marque de vêtements, De Pino. En mars 2026, c’est la première fois que l’on rencontre Gabriel Figueiredo, et déjà, le timbre de sa voix et sa façon de se mouvoir dans l’espace, aux milieux des journalistes et des acheteurs, nous semble familier. Son attitude discrète contraste avec l’audace de ses silhouettes, dont les volumes sculpturaux, l’humour et un certain goût du surréalisme viennent bousculer les codes de la couture. Quelques mois plus tard, nous le retrouvons par écran interposé. Son enthousiasme est intact, même s’il reconnaît être absorbé par les préparatifs d’un pop-up store, qu’il s’apprête à inaugurer à deux pas du Canal Saint-Martin. Il faut dire que le créateur mène une vie à cent à l’heure. Lorsqu’il ne développe pas De Pino (sa marque fondée en 2020, qui revisite avec malice le mythe de la Parisienne sophistiquée), le designer d’origine portugaise travaille trois jours par semaine au sein du studio femme de Dior, où il conçoit des pièces en cuir. Deux univers qu’il cloisonne soigneusement et qui nourrissent, chacun à leur manière, son regard sur le vêtement. Un designer formé aux côtés de John Galliano et Glenn Martens Diplômé de La Cambre à Bruxelles, Gabriel Figueiredo fait ses armes chez Maison Margiela Artisanal, où il travaille successivement aux côtés de John Galliano puis de Glenn Martens. Une expérience qui affine son goût pour l’expérimentation et les savoir-faire d’exception. En quelques saisons seulement, De Pino (dont le nom fait référence à sa grand-mère) s’impose parmi les jeunes labels qui tentent de se faire une place au sein de la Fashion Week parisienne. Une trajectoire saluée cette année par le Prix LVMH, dont le créateur figure parmi les finalistes, et seul représentant de la France. À quelques semaines de la remise du prix, il revient pour Numéro sur son parcours, ses influences et sa manière d’envisager le vêtement comme un terrain d’expérimentation autant qu’un objet de désir. L’interview de Gabriel Figueiredo, fondateur de De Pino Numéro : Quel est votre premier souvenir lié à la mode ? Gabriel Figueiredo : J’ai toujours été fasciné par la mode. Mon tout premier souvenir remonte à mon enfance : j’étais complètement obsédé par Cruella d’Enfer, dans le film Les 101 Dalmatiens (1997) interprété par Glenn Close. C’était sans doute mon personnage Disney préféré. J’adorais cette scène où elle sort de sa voiture et entre dans son immense atelier. Ma grand-mère m’avait même confectionné un petit plaid en fausse fourrure rose à imprimé dalmatien, que j’utilisais pour me déguiser en Cruella. Avec le recul, je me dis que si, à sept ans, votre personnage préféré est Cruella d’Enfer, c’est probablement qu’il y a déjà quelque chose qui se joue… Vous êtes diplômé de La Cambre à Bruxelles. Que retenez-vous de cette prestigieuse formation ? J’ai adoré mes années à Bruxelles. J’arrivais de Paris et j’ai tout de suite été séduit par l’atmosphère de la ville. La Cambre est avant tout une école d’art, pas seulement une école de mode. On y côtoie des étudiants en peinture, en céramique, en photographie… Cette diversité nourrit forcément notre regard et apporte une dimension plus artistique à la création. C’est aussi une école extrêmement créative, tout en étant très exigeante sur le plan technique. Or, la technique est quelque chose qui m’a toujours passionné. Bruxelles possède également une forme de simplicité et de chaleur que je trouve très inspirantes. C’est une ville à la fois accessible et incroyablement créative. Et je crois que cet environnement a beaucoup compté dans ma manière d’envisager le vêtement. “Ce qui m’a le plus marqué chez John Galliano, c’est sa connaissance exceptionnelle de la haute couture.” Gabriel Figueiredo Chez Margiela, vous avez évolué dans un environnement où le savoir-faire est poussé à son paroxysme. Cette exigence a-t-elle changé votre manière de concevoir un vêtement ? Oui, clairement. J’ai intégré le département broderie, mais il s’agissait en réalité d’un véritable laboratoire d’expérimentation autour de la matière. Nous explorions une multitude de techniques, parfois très artisanales, avec l’idée en tête de pousser au plus haut le niveau d’exigence. Ce qui m’a marqué, c’est cette capacité à transformer les matériaux les plus ordinaires (un simple sac-poubelle par exemple) en quelque chose qui relève de la haute couture. Cette expérience m’a appris qu’il n’existe pas de matériau ou de technique « noble » par essence. John Galliano et Glenn Martens ont deux styles très différents. Qu’avez-vous retenu de chacun d’eux, au-delà de la technique ? Lorsque je suis arrivé chez Margiela, John Galliano était encore directeur artistique. J’ai ensuite participé à la première collection de Glenn Martens. C’était passionnant de voir deux approches aussi différentes se succéder. Ce qui m’a le plus marqué chez John Galliano, c’est sa connaissance exceptionnelle de la haute couture. Il maîtrise parfaitement les techniques et les savoir-faire de l’atelier, ce qui lui permet de pousser les artisans toujours plus loin. Il arrivait avec des idées très précises, en remettant en question une couture, une construction ou une méthode de montage simplement pour voir s’il existait une autre façon de faire. Avec Glenn Martens, l’approche était plus instinctive et plus visuelle. Personnellement, je me sens peut-être davantage proche de la vision de John Galliano. Car j’aime l’idée qu’une robe puisse paraître d’une grande simplicité, alors que sa construction est, en réalité, d’une extrême complexité. Un quotidien partagé entre De Pino et les ateliers Dior Vous travaillez aujourd’hui le cuir dans les ateliers Dior. En quoi cette pratique nourrit-elle votre propre travail de créateur ? Je travaille aujourd’hui au sein de la couture, ce qui me permet d’être en contact permanent avec les ateliers et les façonniers. C’est extrêmement enrichissant, car j’y découvre sans cesse de nouvelles techniques et j’échange avec des artisans qui comptent parmi les meilleurs dans leur domaine. Cette expérience me rappelle aussi pourquoi j’ai choisi ce métier. Bien sûr, il s’agit de créer des vêtements, mais aussi de faire vivre des savoir-faire d’exception. Derrière chaque pièce, il y a des femmes et des hommes qui consacrent leur vie à maîtriser un geste. Et je trouve essentiel de leur permettre d’exprimer pleinement leur talent. J’aime énormément passer du temps dans les ateliers. On y ressent une énergie très particulière, cette atmosphère est incroyablement stimulante. Est-il parfois difficile de préserver sa propre voix lorsque l’on évolue au sein d’une grande maison ? Non, pas du tout. Pour moi, les deux univers sont très distincts. Je travaille trois jours par semaine chez Dior et je consacre le reste de mon temps à De Pino. Lorsque je suis chez Dior, je suis pleinement investi dans les projets de la maison. Et lorsque je travaille sur ma marque, je me concentre uniquement sur mon propre univers. Je n’ai jamais eu le sentiment que l’un empiétait sur l’autre. Au contraire, cette séparation me permet de préserver une véritable liberté créative. “De Pino est né de l’envie de revisiter un certain imaginaire de la Parisienne. Cette femme sophistiquée, élégante, mystérieuse et sensuelle.” – Gabriel Figueiredo. Comment définiriez-vous votre label De Pino, en quelques mots ? De Pino est né de l’envie de revisiter un certain imaginaire de la Parisienne. Cette femme sophistiquée, élégante, mystérieuse et sensuelle. J’aime partir de ces codes très ancrés dans la couture parisienne pour les détourner avec une approche plus surréaliste, plus ludique. L’idée est de faire cohabiter deux univers. Avec d’un côté, l’élégance et le raffinement associés à Paris, et de l’autre, quelque chose de plus spontané, décalé et expérimental, qui vient sans doute de mon parcours en Belgique. C’est cette tension entre sophistication et liberté qui définit le mieux De Pino. Vos créations sont souvent marquées par des volumes géométriques, une approche sculpturale du vêtement mais surtout une dimension très ludique… Oui, cette notion du jeu est essentielle dans mon travail. J’essaie de l’insuffler dans chacune de mes pièces. Ce qui m’intéresse, c’est de trouver un équilibre entre une forme de sophistication presque couture et quelque chose de plus léger, qui suscite un sourire. J’aime imaginer que la personne qui porte mes vêtements puisse se sentir séduisante, mais aussi libre de s’amuser avec eux. Pour moi, le vêtement ne doit pas seulement être beau ou impressionnant. Il doit aussi provoquer une émotion, une surprise, voire une certaine joie. Une attention particulière portée au travail des matières Quelle réflexion a guidé la création de votre collection printemps-été 2026 ? Ma première collection, présentée il y a deux ans, était avant tout un hommage aux défilés qui m’ont donné envie de faire de la mode. Avec cette nouvelle saison, j’avais envie d’aller plus loin et de faire évoluer cet univers. Je me suis alors replongé dans cette époque où j’ai commencé à m’intéresser à la mode, mais en regardant cette fois celles et ceux qui la faisaient vivre au quotidien. Je pense notamment à des figures comme Carine Roitfeld, dont le vestiaire m’a beaucoup inspiré. Il y a toujours une dimension nostalgique dans mon travail, mais cette collection marque une évolution. Avez-vous une matière de prédilection, comme le cuir ou, au contraire, aimez-vous vous mettre en difficulté à chaque collection ? J’aime beaucoup travailler des matières assez simples, comme la laine ou le cuir. Ce sont des matériaux qui m’intéressent justement parce qu’ils possèdent une forme d’évidence, mais qu’il est possible de transformer complètement grâce au geste et à la technique. J’ai notamment beaucoup expérimenté autour de la broderie, avec des fils de laine utilisés de différentes manières. Ce qui me plaît, c’est de partir d’une matière familière et de chercher comment la traiter avec suffisamment de précision pour lui donner une dimension plus raffinée, presque inattendue. Gabriel Figueiredo, finaliste du Prix LVMH 2026 Que signifie pour vous le fait d’être finaliste du Prix LVMH 2026 ? Lorsque l’on crée sa propre marque, il est parfois difficile de prendre du recul. Il y a beaucoup de projets, beaucoup de créateurs, et l’on reçoit forcément des retours positifs qui peuvent être encourageants, mais qui ne permettent pas toujours de mesurer la portée réelle de son travail. Cette sélection au Prix LVMH 2026 été une forme de confirmation car elle m’a montré que De Pino avait sa place dans cet écosystème et qu’il existait une véritable reconnaissance de ce que je construis. Quelles sont les difficultés auxquelles vous êtes confronté en tant que jeune designer ? Ce qui est le plus difficile, c’est qu’aujourd’hui, on demande à une jeune marque de proposer un défilé spectaculaire, une identité forte, mais aussi une collection commerciale et désirable. Or, les moyens ne sont évidemment pas les mêmes lorsque l’on travaille seul ou avec une équipe de plusieurs dizaines de personnes. Aujourd’hui, je développe De Pino seul, et je dois constamment trouver un équilibre entre différentes attentes. Celles de l’image, de la création, mais aussi celles de la commercialisation. Mon attaché de presse, mon agent commercial ou mes partenaires peuvent avoir des attentes précises sur ce que la collection doit proposer et il faut réussir à faire cohabiter tous ces éléments. Tout l’enjeu est de réussir à préserver une vraie liberté artistique tout en créant des pièces désirables. Une liberté créative sans bornes Si vous aviez les moyens de réaliser une collection sans aucune contrainte, qu’auriez-vous envie d’explorer ? Je ne me sens pas particulièrement limité dans le processus de création. J’aime justement trouver des solutions avec les moyens dont je dispose. Et je n’ai jamais vraiment le sentiment de devoir renoncer à une idée parce qu’elle serait trop coûteuse. Les pièces que j’imagine demandent souvent beaucoup de temps et de travail, mais elles restent réalisables. Comment aimeriez-vous développer votre label à l’avenir ? La véritable évolution se situerait peut-être davantage autour de tout ce qui accompagne une collection. J’aimerais pouvoir développer davantage de collaborations, organiser plus d’événements, imaginer des campagnes plus ambitieuses ou encore produire des shows avec plus de liberté. Aujourd’hui, beaucoup de personnes qui travaillent avec moi m’accompagnent dans l’aventure, parfois de manière indépendante. Pouvoir constituer une équipe plus solide et rémunérer pleinement les personnes qui contribuent au développement de De Pino serait aussi une étape importante. Pour moi, c’est sans doute là que se situe la prochaine évolution de la marque.