Выставка «Воскресение» палестинского художника Башара Альхруба открылась в лондонской галерее P21

El artista palestino Bashar Alhroub presenta en Londres Resurrection, una exposición comisariada por Fortunata Calabró que tendrá lugar hasta el 28 de agosto en P21 Gallery. La muestra reúne quince lienzos de gran formato, todos ellos concebidos a raíz de la escalada de violencia que sacude Palestina desde octubre de 2023. Artículos recomendados En la obra de Alhroub, el rojo y el negro construyen un lenguaje visual que se aleja del relato documental para explorar la memoria, la pérdida y la resistencia como ejes de la experiencia humana. En conversación con El Ibérico, Bashar Alhroub profundiza en el origen y el sentido de Resurrection. Sus respuestas no solo explican el proceso creativo de la exposición; también revelan que su obra nace de un profundo compromiso humano y de una firme responsabilidad ética. Con una mirada serena y alejada de cualquier simplificación, el artista palestino reflexiona sobre la situación actual de su país desde una experiencia profundamente personal que dialoga con preguntas universales sobre la fragilidad, la dignidad y la capacidad de resistencia. En un tiempo marcado tanto por la polarización como por el ruido mediático y político, sus palabras reivindican la escucha como un ejercicio de responsabilidad y ofrecen una reflexión que trasciende el ámbito artístico: interpela nuestro presente para que podamos redefinir nuestro futuro. «El arte no nace del intento de ser universal» Has expresado que las obras nacieron de una necesidad de dar testimonio. ¿En qué momento sentiste que ya no estabas documentando únicamente una tragedia palestina, sino hablando de una experiencia humana universal? Cuando comencé a trabajar en esta serie, no lo hice pensando en crear un testimonio visual de un acontecimiento concreto, buscaba una forma de sobrevivir. En ese momento, la pintura se convirtió en un espacio para respirar y en una manera de comprender lo que ocurría a mi alrededor y dentro de mí. Pintaba desde la experiencia de un palestino que vive la guerra y el genocidio, cargando con el peso de la memoria, el miedo y la pérdida, y también desde la posición de un artista que intentaba dar forma a aquello que las palabras ya no podían expresar. Al principio, las obras estaban directamente vinculadas a la experiencia palestina, con todo su dolor, destrucción y desplazamiento. Sin embargo, a medida que pasó el tiempo y las pinturas fueron tomando forma, empecé a sentir que ya no estaba pintando únicamente la tragedia de mi pueblo, sino un dolor humano más amplio. Comprendí que las emociones que contienen estas obras —la pérdida del hogar, el miedo por la propia vida, el duelo, la espera, la lucha por preservar la dignidad y el deseo de seguir adelante a pesar de todo— son experiencias que cualquier ser humano puede reconocer, independientemente de su origen. Para mí, el arte no nace del intento de ser universal; nace de una profunda honestidad con la propia experiencia. Cuando un artista es fiel a sus heridas, a sus recuerdos y a sus preguntas, esa experiencia adquiere la capacidad de atravesar fronteras. Mi intención nunca fue documentar la guerra como lo haría un historiador o un periodista, sino acercarme a sus consecuencias más íntimas: cómo la guerra se instala en la memoria, en el cuerpo, en el espíritu y en nuestra comprensión de lo que significa ser humano. Fue entonces cuando Resurrection dejó de ser únicamente el testimonio de una experiencia palestina para convertirse en una reflexión sobre la experiencia humana en sí misma: sobre la fragilidad del ser humano y sobre nuestra extraordinaria capacidad para sobrevivir y reconstruir el sentido después de la destrucción. «La resurrección es un acto continuo» El título Resurrection habla de renacer. ¿Qué significa para ti la palabra «resurrección» cuando la herida sigue abierta? Para mí, la palabra Resurrection no significa que el dolor haya terminado, ni implica superar u olvidar la herida. Al contrario, la resurrección comienza por reconocer la existencia de esa herida. La herida abierta forma parte de nuestra memoria y de nuestra realidad cotidiana, pero la presencia del dolor no significa el final de la vida. La resurrección es un acto continuo. Es el momento en que una persona decide seguir adelante a pesar de todo aquello que intenta quebrarla. Es la decisión de crear cuando todo a tu alrededor te empuja hacia el silencio, de aferrarte a la memoria cuando la violencia intenta borrarla y preservar tu humanidad cuando esa misma humanidad se ve constantemente puesta a prueba. Como palestino, he vivido con la realidad de que una y otra vez nos vemos obligados a reconstruirnos: reconstruir nuestros hogares, nuestra memoria, nuestra relación con el lugar e incluso nuestros sueños. Por eso, la resurrección no es un acontecimiento único, sino un proceso que se renueva una y otra vez; es un estado de resistencia existencial: una resistencia frente a la desaparición y frente a la posibilidad de que la guerra y el genocidio sean la única historia que se cuente sobre nosotros. En estas obras no pretendía ofrecer una imagen romántica de la esperanza, porque la realidad es mucho más compleja. Quería que la esperanza surgiera desde el propio dolor. Cada pintura conserva las huellas de la destrucción, pero también contiene la posibilidad de la transformación. Incluso en los momentos más difíciles permanece algo que no puede ser destruido: la memoria, el espíritu y la capacidad de crear. Por esa razón, Resurrection no es la promesa de que el sufrimiento desaparecerá; es la afirmación de que el ser humano posee la capacidad de levantarse incluso en medio del sufrimiento. Exponer en Londres: «una responsabilidad» Exponer en Londres, como artista palestino, una obra de esta dimensión y de una fuerza visual tan contundente, que sitúa en primer plano el dolor, la pérdida y la resiliencia de un pueblo que sigue sufriendo mientras gran parte del mundo observa, tiene una enorme carga simbólica. ¿Qué significa para ti? Presentar Resurrection en Londres tiene un significado que va más allá de la exhibición de un conjunto de pinturas. Supone la responsabilidad de compartir una experiencia humana y artística nacida de una realidad profundamente dolorosa, marcada por la violencia y la destrucción continuas, y de abrir un espacio de reflexión sobre lo que el arte puede hacer cuando las imágenes y las palabras cotidianas ya no consiguen transmitir la profundidad de una experiencia. Como artista palestino, no concibo mi trabajo como un documento político ni como un registro de la guerra y el genocidio. Lo entiendo, más bien, como un espacio para reflexionar sobre lo que la violencia deja en el interior del ser humano: la memoria, el miedo, la pérdida y la capacidad de seguir adelante. Llevar esta exposición a Londres, ante un público internacional, permite que estas obras trasciendan su contexto local sin perder sus raíces. Nacen de Palestina, pero hablan de cuestiones humanas más amplias: la dignidad, la supervivencia y lo que significa seguir siendo humano frente a la violencia y a la fragmentación de los valores humanos. Por qué no hay grises Tus lienzos renuncian deliberadamente a los grises y construyen un universo dominado por negros y rojos. ¿Hasta qué punto esa elección estética nace de la convicción de que hay realidades que no admiten medias tintas? La ausencia del gris en estas obras es una elección que nace directamente de la experiencia vivida. Para mí, el gris está asociado a la distancia, la vacilación o la neutralidad, mientras que la realidad de la que surgieron estas pinturas estaba muy lejos de cualquier zona gris. Hay momentos en la historia en los que la neutralidad es imposible; ignorar el sufrimiento humano constituye, en sí mismo, una forma de tomar posición. No creo que el papel del artista sea situarse al margen de la experiencia humana, sino escucharla y darle forma y memoria. El negro y el rojo constituyen el lenguaje visual central de este proyecto. El negro encierra los significados de la ausencia, el duelo, la destrucción y el peso psicológico que deja el trauma. El rojo es un color lleno de contradicciones: remite a la sangre, la violencia y la pérdida, pero al mismo tiempo representa la vida, la energía, la resistencia y el deseo de continuar. La relación entre ambos colores expresa el estado que intentaba transmitir: permanecer suspendido entre la destrucción y la vida, entre la pérdida y la posibilidad de la renovación. Capas que se construyen y se borran ¿Cómo fue el proceso creativo? El proceso creativo no comenzó con imágenes preconcebidas ni con el deseo de recrear acontecimientos concretos. Comenzó con una necesidad interior de encontrar un nuevo lenguaje visual. Las pinturas fueron desarrollándose mediante la acumulación de capas de color, a través de procesos de añadir y borrar, de construir y destruir, hasta que las propias superficies empezaron a conservar las huellas de ese recorrido. Las figuras y las formas no aparecieron como imágenes completas desde el principio; fueron emergiendo lentamente entre las capas, a veces visibles y otras desvaneciéndose, del mismo modo que la memoria cuando es atravesada por el trauma. En última instancia, Resurrection no pretende representar la guerra y el genocidio solo como acontecimientos, sino acercarse a sus consecuencias más profundas. Explora aquello que permanece en el ser humano después de la destrucción: la memoria, la dignidad, la capacidad de crear y la convicción de que la vida puede continuar incluso en las circunstancias más extremas. Quién es Bashar Alhroub Nacido en Jerusalén en 1978 y afincado en Ramala, Bashar Alhroub se formó en la Winchester School of Art de la Universidad de Southampton, donde completó su máster en Bellas Artes en 2010. Trabaja con pintura, fotografía, videoinstalación y dibujo, y su obra forma parte de colecciones como las del Imperial War Museum de Londres, el Museum of Fine Arts de Boston o la Barjeel Art Foundation de Sharjah. En 2012 obtuvo el primer premio de la Bienal de Arte Asiático de Bangladés. Resurrection, en datos - Dónde: P21 Gallery, 21-27 Chalton Street, Londres NW1 1JD (metro: Euston o King’s Cross St. Pancras) - Cuándo: hasta el 28 de agosto de 2026 - Horario: martes, jueves y viernes de 12:00 a 18:00; miércoles de 12:00 a 20:00; sábados de 12:00 a 16:00 - Entrada: gratuita - Más información: p21.gallery Sigue el canal de El Ibérico en WhatsApp, donde encontrarás todas las noticias de Londres y el Reino Unido. 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